浅谈中西方艺术教育的差异：究竟你是什么样子的艺术教育？
浅谈中西方艺术教育的差异：究竟你是什么样子的艺术教育？
科技在进步，时代在发展。随着近几年来留学大军的壮大，海外留学生回归，别国留学生进入中国，那么问题就来了，很多人都会拿国内外的艺术教育进行比较，到底东西方文化谁更胜一筹呢？对于中国文化，很多人都是认为中国文化是固守本土的，有着浓浓的本土韵味，很多的中国艺术家不论他们的创作作品是多么的新颖，多么的有现代气息，在西方人的眼中，都是散发着中国文化的韵味，一看就知道是中国艺术家的作品。尽管他们认为自己的东西很现代，注重实验，吻合时代发展的潮流，本质上都是中国的东西。中国是文明古国，所以对于艺术方面，在漫长的发展过程中，中国的文化源远流长，不断创新，与时俱进。但是同时也不乏腐朽，落后的文化，这些文化并不是一朝一夕能剔除的。自古以来，中国对于艺术就是存在着偏见，这就注定了在未来的几百年里中国艺术教育的落后。近现代期间，中国不断向西方学习，不断的描摹所谓的西方艺术，以另一种形式融入中国元素形成了新型的中国特有的艺术。不过，在大多数人眼中对东方的艺术教育还是有偏见的，而且，中国对艺术教育注重技巧和理论，再新颖的作品也离不开中国艺术的核心。也只是形式上的创作，而且，对于中国艺术中国也是具有特定的束缚性。很多家长对于孩子学习艺术教育也是不认同，因为他们的思想里艺术并不是最好的发展方向，只有学习才是唯一的出路。对于西方，我们了解的也是少之又少，但是西方的教育方式并不是我们表面看到的“开放”那么简单。西方的艺术教育，也许是因为西方的发展时间没有中国那么长远，所以在文化的发展过程中并没有那么多突出的矛盾。而且，西方的艺术教育以开放为主流，很多的教育都是以实践为主，自我创造，抽象意义都是西方的代表词。西方艺术教育有着得天独厚的优势，在欧洲这片土壤上，有着无数历史遗迹和文化遗产，以及当地浓厚的人文氛围，他们一直尊重和保护着人类这些宝贵的精神财富。不说你漫步在罗马街头，仅仅是意大利的任何一个小镇，那里处处是艺术，处处有故事，此番此景带来的情绪才是艺术家最珍惜的灵感之源。西方艺术教育的优势是显而易见的，而我国的艺术教育工作者也致力于向西方学习，汲取艺术教育的精髓，这需要努力也更需要时间。东西方的艺术教育因为人文，地理，思想等方面存在着一定的差异，但是，这并不是说中国的艺术教育是不能提升和突破的。所以，面对中国的艺术教育，除了学习西方以外，我们需要的是努力，即使不被看好学习艺术，也要坚持走下去。梦想是要有的，万一实现了呢？
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西方艺术与设计学院的转变
佛罗里达州的大学（Florida State
University）
很长一段时间以来，工作室、私人画室教育依然在西方被认为是艺术教育的重要途径之间，这种方法叫做“画室制度”（the Atelier
Method），法国画家 Gustave Moreau
用画室培养出毕加索和很多的其他现代艺术家，被视为一个成功的典范。其实这种方法就是传统的艺术学徒制度（artist
apprenticeship）而已。
美国早期全部是走画室制度的。19世纪下半叶，美国有一个运动，叫做“绘画学习运动”（the Picture Study
Movement），也就是西方国家的“学院派”教育方式的推行，这种对画室方式的重视，导致美国美育普及，并且也导致对家庭装饰、家庭美化的兴趣，因而说美国的美术教育导致了美国家庭美化，对社区的美化，应该比较理想的一个发展结果。美国当时提出“每日生活中的艺术”（Art
Living）这种说法，通过在学校训练学生的美术能力和提高艺术品位，使得学生可以影响他们的家长，这个运动，在1920年代影响整个美国，成为美国的一次全民化的艺术欣赏、注意设计的活动。对后来美国国家设计水平、艺术水准的提高很有帮助。
美国19世纪到20世纪教育中的美育水平的提高，是受到约翰.杜威（John
Dewey）的教学改革学派的影响和指导的。杜威最早提出艺术是一种经验，1932年，杜威作为威廉.詹姆斯学者（ William
Lecturer）在哈佛大学的讲述自己的美学观点的时候提出这个看法，他提出教育中应该贯彻审美的训练，给以学生审美的经历，提高学生的美学水准，第一次提出“新媒体”（new
media）这个概念来。在杜威的一系列著作中，包括1915年的著作《民主和教育》（Democracy and Education
）、1925年的著作《经验和自然》（Experience and
Nature），还有1931年的文章《哲学与文明》（Philosophy and Civilization
）中都提到美育、美学的重要性。
从第二次世界大战以来，美国所有的高等院校中的美育、艺术教育的水平到有很大的提高，并且这个艺术教育开始走向学术正式化，，战前美国的艺术学校主要是一些比较松懈的、自由化的、具有波西米亚色彩的，比如纽约的“艺术学生联盟”（the
Art Students League of New York ，重要学生有如杰克逊.波洛克Jackson Pollock马克.罗斯科
Mark Rothko）、卡罗莱纳的“黑山大学”（Black Mountain College
，著名毕业生有如罗伯特.劳森伯格Robert
Rauschenberg），或者1960年代在纽约格林威治村的“汉斯.霍夫曼艺术学校”（the Hans Hofmann School
of Art in Greenwich
Village）。耶鲁大学成为美国大学中拥有最杰出的艺术教育的大学典范，涌现出一大批美国重要的艺术家，比如照相写实主义大师查克.克罗斯（Chuck
Close,）、布莱斯.马登（Brice Marden,）、理查德.谢拉（Richard
Serra）、詹妮弗.巴列特（Jennifer Bartlett ）、罗伯特.马格德（Robert
Mangold）等等，战后的一个重大的变化，就是在综合性大学中也形成了水平相当高的艺术和设计院校，因为综合大学的综合性质，使得这些大学拥有独立艺术和设计学院所无法拥有的浓厚的人文科学、自然科学的选修课条件，所以，这些学院的学生的综合素质发展得反而超过很多独立艺术院校，比如重要的耶鲁大学艺术学院、设计学院涌现出一系列重量级的设计大师。这个和战前艺术家仅仅出自独立艺术学院的情况大相径庭。
美国高等院校艺术、设计专业招生达到顶峰时1960年代和1970年代初期，美国教育在当时有一个很大的改变，就是提出了“不让一个孩子落后”（No
Child Left Behind ，简称NCLB) 政策，这个政策对艺术教育的最大影响，就在于把艺术课程作为核心课程（the
curriculum）的组成部分，而不是从前的选修课程了。这个政策艺术和设计教育的影响很大，从此美国所有公立学校（在美国公立学校是属于州政府管理，包括州立大学、社区两年制大学、中学、小学）中都设有艺术课程，把艺术作为核心课程也得到美国联邦教育部的支持，当时的美国教育部给在艺术教育上、美育上有成就、有经验的学校以奖励、援助。近年来，美国青年、儿童人数有所减少，加上经济情况不好，许多公立学校停止开设艺术课程，估计在2010年后，美国有25%的公立学校（中小学）停止开艺术课程。这个历程可以归纳为：第二次世界大战前后，艺术教育在大部分公立学校中地位比较低微，仅仅是作为可有可无的艺术修养课程设置，1960、70年代，美国由于把艺术作为核心课程要求，导致全美国公立学校中的艺术教育变成必须的教育，对学生的影响最大，美国艺术普及化也在这个事情；21世纪以来，由于经济问题的压力，部分公立学校又有把艺术教育删除、或者减弱的情况，大概有25%的公立学校现在取消了艺术教育。
独立艺术学院则没有受到这个问题的冲击。
要了解美国公立学校中艺术教育的情况，可以参考他们几个机构的刊物和出版物。美国艺术教育的专业组织有全国艺术教育协会（the
National Art Education Association），出版协会刊物《艺术教育》（Art
Education》，还有研究刊物《艺术教育研究》（Studies in Art
Education），另外还有美国艺术教育组织（简称市：USSEA ，the United States Society for
Education through Art），和“国际艺术教育组织”（简称InSEA ，the International
Society for Education through Art）。
艺术中心设计学院（Art Center College
of Design）
美国政府重点支持美育的州立大学：
西方的艺术教育范围很广泛，包括视觉艺术，也包括通俗文化，奖学金也是比较广泛的给予这些学科的，最近的潮流，是联邦政府利用各种奖学金，给一些选择中的的州立大学、社区大学，特别集中在艺术教育领域内的后现代艺术、视觉文化研究方面，奖学金、研究基金比较多。这个投入方向的背景是全球化对形象创作（image
creation）、形象解释的影响。重点是创意，重学习、社区组织能力、表现能力、研究能力和知识结构的提高这些方面。
最近获得美国联邦政府教育部、全国艺术基金会、全国人文科学基金会的资助的院校有如：佛罗里达州的大学（Florida State
University）、俄亥俄州立大学体系（Ohio State
University）、北伊利诺斯大学（Northern Illinois
University）、宾夕法尼亚州立大学（Pennsylvania State
University）、印第安纳大学布鲁明顿校区（Indiana University, Bloomington）和伊利诺斯大学乌版纳-香槟校区（the University of
Illinois at
Urbana-Champaign）。这些州立大学的运作资金，主要是州政府拨款，学费也是一个很大的部分，联邦政府的基金、奖学金是给这些院校在后现代时期的形象创作、研究用的，基本是课题基金。
美国的艺术设计教育规模比中国的要小得多。独立的艺术设计学院数目大概在30多家，分布在全国各个州，其中纽约、洛杉矶、芝加哥、旧金山这几个城市的数量多一些。
绝大部分只有艺术学士学位和艺术硕士学位，学位上，有些是专门针对性的，比如学艺术的学生获得艺术学士和艺术硕士，但是更多的是跨越学科的，或者学科重叠性的，比如学电影的有些院校给以艺术学士和艺术硕士，但另外一些学校给予科学学士和科学硕士，有些专业是新创建的，比如多媒体，归属因校不同而不同。
美国的艺术学院大部分是私立性质的，比如辛辛那提艺术学院（Art Academy
of Cincinnati）、莱姆美术学院（Lyme Academy College of Fine
Arts）、奥莫尔设计学院（O'More College of Design）、缅因艺术大学（Maine College of
Art）、蒙特色拉特艺术大学（Montserrat College of Art）、明尼阿波利斯艺术与设计学院（Minneapolis
College of Art and Design）、太平洋西北艺术学院(the Pacific Northwest College
of Art)，这些都是典型的私立艺术院校。美国水平比较高的私立艺术设计学院有如：罗得岛设计学院（the Rhode Island
School of Design）、艺术中心设计学院（Art Center College of
Design）、加利福尼亚艺术学院（California College of the
Arts）、底特律的创业中心学院（College for Creative Studies）、芝加哥的美国艺术学院（American
Academy of Art in Chicago,）丽晶大学的传达与艺术学校（Regent University's School
of Communications and the Arts），萨文纳艺术与设计学院（Savannah College of Art
and Design）、匹兹堡艺术学院（Art Institute of Pittsburgh）纽约的普拉特学院 Pratt
Institute）、旧金山艺术学院（Academy of Art University）、纽约艺术学院（New York
Academy of Art）费城艺术学院（University of the Arts,
Philadelphia）芝加哥艺术学院（School of the Art Institute of
Chicago）洛杉矶的奥迪斯艺术与设计学院（Otis College of Art and
Design），纽约的视觉艺术学院（School of Visual Arts），这些都是比较杰出的私立艺术学院。
美国最好的艺术学院自己在1991年组成一个学术协会，类似联盟，英语叫做 a
consortium，这个协会叫做 美国“独立艺术与设计学院协会”（the Association of Independent
Colleges of Art and Design
，简称AICAD)。这些学院培养学生的目的有很大的差异，但是都有强烈的就业目的性。因此都有非常突出强的理论课程的构成（理论课在英语中统称为liberal
arts courses，国内经常误译为“自由艺术”），而基础课、专业课也要求很高。
美国的高等艺术设计学院之间有些有协作关系，比如索佛克斯大学（Suffolk
University）好新英格兰艺术与设计学校（The New England School of Art and
Design），雷斯利大学（Lesley University）和波士顿艺术学校（Art Institute of
Boston），罗得岛设计学院（the Rhode Island School of Design）和布朗大学（Brown
University），泰勒艺术学院（Tyler School of Art）和坦帕尔大学（Temple
University），博物馆美术学院（the School of the Museum of Fine
Arts）和塔夫特大学（Tufts University），赫隆艺术学院（Herron School of
Art）和印第安纳大学（Indiana University）等等。
在美国，所谓的公立大学是州立的，州立的艺术学院不多，全美国只有一所，就是波士顿的麻省艺术与设计学院（Massachusetts
College of Art and Design）
纽约的艺术学院比较多，其中艺术设计方面最重要的是库帕联盟（Cooper
Union），入学招生比例是4%，所有的学生都有奖学金。耶鲁大学的耶鲁设计学院（The Yale School of Art at
University）则只有研究生课程，两年制，授予艺术硕士学位（MFA）。2007年考生有1215人，最后招生时55人（根据耶鲁时报报道：The
Yale Daily News）
美国的艺术设计学院的专业并不都很完整，基本因地制宜的。我们以衣阿华州立大学的设计学院（the College of
Design,& Iowa State
University）为例来看看，学院的倾向是设计为主，这个大学的设计学院现在设有：1）艺术工作室（studio
art）、平面设计（graphic
design）、摄影（photography）、建筑（architecture）、景观建筑设计（landscape
architecture）、室内设计（interior design，也称为室内建筑 interior
architecture），艺术（art）、设计史和建筑史（design, and architectural
history）。
有些学校专业比较少，集中在艺术，或者建筑，或者设计一个方面，伊利诺斯大学乌巴纳-香槟校区的艺术和应用艺术学院（the College
of Fine and Applied Arts at the University of Illinois at
Urbana-Champaign）、耶鲁大学艺术学院（the Yale School of Art）。
独立的艺术学院和综合大学内的艺术设计学院最大的差别，是后者拥有更多的理论课选修，而独立艺术学院的理论选修课就比较少了。
上面提过，理论课程一般叫做libera arts
，这里包括比较专业的艺术设计史论，也包括人文科学、社会科学课程，甚至也包括文化方面的课程。独立艺术院校的工作室、设计课题课程比较多，而综合性大学里面的艺术院系则比较强调人文方面的课程，理论课程比例比较大，这是因为这两种类型的学校性质和情况不同而导致的。
其实每个最普遍的艺术教育体系，是州政府资助的、或者私立的艺术教育项目，多半是放在综合州立大学、社区大学里面的。最终的目的是学位，包括四种类型的学位，都可以从这种在综合大学、社区大学里面的艺术专业里面获得：文科学士学位（BA），或者是艺术学士学位（BFA），文科学士学位（MA），艺术硕士学位（MFA），这类在综合性大学里面的艺术专业，更多的强调普通艺术训练，而不是专门艺术专业性的培养，在很多综合性大学里面，在艺术专业的学习，什么都学一点点，但是没有专业划分，毕业之后是艺术学位，但是并没有什么专门的专业。这是在美国学艺术最普遍的情况。好国内一旦学艺术，就必须是有很具体的专业的情况差异很大。当然，综合性大学里面的艺术专业，也因学校情况不同，选择不同有方向性，英语称之为“
concentrations”， 可以翻译成“专业趋向”。
综合性大学里面的这种专业趋向，多部分是有比较明确的导向的，但是也有一些方向比较含糊，这些方向就得不到全国艺术院校学术委员会的认可，主要是认为这样的趋向后面缺乏足够的课程、师资来支持。
美国艺术院校的一个很大的转变，就是艺术专业现在基本不训练绘画，特别是写实性的绘画技法。这个情况是和1950年代以来的艺术发展有密切关系的。
有个很特殊的学校是例外。这个学校在美国东北部新英格兰的康涅狄格州，叫做林姆美术学院（The Lyme Academy College
of Fine Arts），这个学院是1976年由一个教职伊丽莎白.昌德勒（Elisabeth Gordon
Chandler）的画家创办的，完全按照法国美术学院的旧学院派方式教学，雕塑、素描、油画是整个学校的核心。这是美国差不多独无仅有的一家学院派形式的艺术学校。这个学院也得到全国艺术与设计院校协会（NASAC）的核准、评估通过，有颁发艺术学士、艺术硕士学位的权力。为了适应发展的需要，这个学院在2008年建立了更加具有应用性的插图系（illustration
department）。
日，于洛杉矶
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以上网友发言只代表其个人观点，不代表新浪网的观点或立场。西方艺术观念的重大转变
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西方艺术观念的重大转变
&郭宝郭旁白&关于西方“古典艺术”与“现代艺术”的转变及区别，已属众所周知的常识。但值得反思的是：如果将中西艺术观或实践的流变做横向对比，却发现似乎发生了一场擦肩而过的观念互换。生发于十九世纪末二十世纪初的西方现代艺术观念及实践，其实恰恰与已经延续了几千年的中国传统艺术观念及实践相近，甚至某种程度是受到了东方艺术的启发与影响。然而，也恰恰在二十世纪，中国艺术却走了西方古典主义的回头路，倒行逆施，而西方艺术在顺势发展中一路高歌猛进。如今，中国回过头来又跟在西方现、当代艺术的屁股后跑……&&&二十世纪上半叶是西方现代艺术的全面发展阶段，也是西方画家反叛传统理性精神，扬弃模仿论，建立新艺术观，在艺术语言和表现手法方面进行大胆探索和实验的阶段，这是艺术观念的重大转变。如果把西方艺术划分为两个大的阶段进行比较，就会清楚地认识到艺术领域中已发生了惊人而深刻的变化。以十九世纪下半叶的法国印象派为界，印象派以前为“传统艺术”，后印象派至二十世纪上半叶为“现代艺术”。传统艺术同现代艺术在观念上发生了根本的变化，而艺术观念又直接影响到对艺术现象和艺术流派的认识和评价。&&不同的人和不同的时代所持的艺术观念也是不同的。有人认为艺术就是模仿，在评判艺术时必然会拿自然对象来对照艺术，而且极看重模仿的技巧和作品同对象的相似程度；有人认为艺术即表现；有人认为艺术即梦幻和想象，等等。要理解和认识各种不同观念的艺术，就不能站在一个固定不变的立场上，用传统固有的艺术观来评价和判断。&&在观念上，现代艺术与传统艺术相比较，主要表现在以下几个方面：&一．从模仿再现走向主观精神的表现&&多少世纪以来，西方人头脑中的真实，就是环绕在他们周围的可视的客观世界，艺术的职责在于模仿再现这些真实的客观对象。这种观念起源于古希腊，亚里士多德就曾谈到人有模仿的本能，作为一种美学体系确立于文艺复兴时期。文艺复兴还完善了这一“真实”的概念，以透视、解剖、明暗等科学法则发展和充实了再现客观对象、描写真实的艺术手法。艺术家们描绘人物、风景、静物和一切可见的对象时，把模仿再现客观对象作为绘画和雕塑不可动摇的基础。在他们看来，艺术不模仿客观对象就不是艺术。&&这种模仿客观对象的观念持续到十九世纪突然受到严重的挑战。照相术的产生和普及对模仿写实的艺术构成了相当的威胁。恰好这时，日本的浮世绘和中国的绘画艺术传到西方，东方艺术的表现性、平面感使西方艺术家眼界大开，他们感到，原来非写实的、平面的和写意性的东方艺术具有别样的魅力。模仿写实仅仅是一种艺术观，冲破这种传统艺术观，艺术将会走向更为广阔的天地。塞尚、梵高等印象派画家首先冲破了这种传统观念的束缚，强调主观精神的表现。至二十世纪，这种观念得到进一步的发展。摄影、电影、电视等多种现代化手段的出现，使人们认识到美术不再是反映和记录客观对象的唯一形象化手段。尼采、柏格森、弗洛伊德等人的哲学观点及学说，使人们的思想从对客观世界的关注转向了对人的内心世界的重视，发现了世界上最深奥最神秘的东西原来就是人的内心。模仿写实的描绘只是客观真实，表现主观情感的描绘则是心灵的真实。这种心灵的真实，正是艺术表现的新领域和新天地。于是，表现心灵的真实，表现纯粹的主观情感，成为二十世纪上半叶最具突破性的观念。野兽派、表现主义、超现实主义等流派的出现，就是这种艺术观的具体实践。&二．放弃统一的绝对的美的标准&&传统西方艺术用模仿写实的手法反映客观对象，艺术家以敏锐的观察去描写自然界中各种真实形象，无论他们采用什么风格和手法，也无论是古典主义、新古典主义、浪漫主义还是现实主义，所造就的艺术品都是具象写实的，同客观世界相联系的。观众在欣赏这些作品时也是以自然对象作参考去比较、认识和理解作品，以是否与对象肖似来评价作品。这种写实的作品人人都能看懂，能接受。因此从古希腊到十九世纪模仿写实艺术发展长达两千多年的历史中，人们逐步建立起一种统一的、绝对的美的标准，这个标准就是“真实”和“优美”。真实基于客观现实，优美基于古典艺术在西方艺术发展史中的重要地位。这种真实和优美的艺术标准，在人们的头脑中影响极其深远。&&十九世纪末之后，印象派冲破了模仿写实的束缚，艺术家们面前展现出更加广阔的天地，艺术除描绘真实以外，还可以表现人的内心世界，表现自我，表现梦幻，表现新的观念；艺术除表现优美，也可以表现怪诞、丑陋、痛苦和不安。客观真实固然感人，心灵的真实可能更具有振聋发聩的力量。优美固然使人流连忘返，丑陋同样可以使人终身难忘，回味无穷。正是由于“丑”的介入，艺术空间和视野才被大大拓展。艺术倾向不再是一元的、单向度的、唯美的，而是美丑并举、善恶相对、哀乐共生。达芬奇的《蒙娜丽莎》能以其优雅流芳百世，毕加索的《格尔尼卡》同样能以其揭露战争的丑恶和残酷名垂千古。&&既然艺术开始致力于表现人的内心世界，而每个人的内心和情感又千差万别，难以捉摸，传统艺术那统一而绝对的标准自然就失去了它的意义。如果观赏者仍然站在传统艺术观的立场上，以传统艺术标准来看待现代艺术，将无法懂得，或者说永远也难以理解现代艺术。许多人之所以看不懂现代艺术，很重要的一点就是他们仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准来评判现代艺术，因而会有大惑不解或格格不入之感。&三．强调艺术的审美功能与纯视觉性&&西方传统艺术十分看重艺术的认识功能，注重它的主题和内容，把美术作为记录形象和事件的最佳手段，成了讲述圣经的形象化语言。那些情节性和故事性的美术作品，承担起了文学的部分功能，以及教化、宣传功能。&&自十九世纪下半叶以来，西方艺术家越来越关注艺术的纯视觉性和审美作用，认为各门类艺术应有各自的独特功能。文学诉诸于人的思想，音乐诉诸于人的听觉，美术则主要诉诸于人的视觉。艺术家的责任应当是探索色彩、线条、块面、构图等形式因素，而不是用绘画、雕塑叙述故事。因此，艺术家开始强调美术的纯视觉性和形式感，抛弃了文学性和故事性。印象派画家便是追求艺术审美功能的第一批开拓者，莫奈、雷诺阿等人在选取题材时多从光线和色彩等绘画形式因素出发，很少关注自己绘画的主题和情节。&&二十世纪上半叶放弃作品的故事情节、追求纯视觉审美功能已成为一种普遍的艺术思想。例如马蒂斯的许多作品就追求纯粹的色彩效果，康丁斯基的抽象作品追求色彩、线条的表现性和音乐感。&四．艺术的价值在于发现和创造&&传统艺术的价值就在于它反映现实的广泛性和真实性，在于艺术家的审美趣味和技巧的高低。然而，随着时代的变迁，理性精神不再居于绝对权威的地位，生命哲学、非理性精神、精神分析学说等感性精神纷纷向理性精神提出挑战。&&现代艺术产生后，艺术观念大大拓展，人们不再囿于技巧和模仿现实，而在艺术观念、艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索创造。这时，人们意识到艺术中最有价值的东西不在于技巧和内容，而在于不断地发现和创新。这种创新的观点一旦确立，人们的创造力便像被压抑许久的火山一样爆发出来。许多现代艺术家抛弃了传统艺术技巧、绘画方法和工具材料，大胆地开拓新的媒介领域，采用新的表现手段，甚至完全突破传统绘画或雕塑的观念，使现代艺术以纷繁多姿的崭新面貌不断展现。&&现代艺术与人类社会发展的进程一样，是艺术发展的必然。（佚名）
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